Sofia Coppola: vírgenes suicidas, susurros, seducciones y abrazos

A modo de homenaje, abordamos con sigilo el hipnótico universo cinematográfico de una de nuestras directoras de culto.

La mítica Lost in translation se estrenó en México un 23 de enero, hace 17 años. Días después, la cinta quedó ¿in?justamente eclipsada por el Sean Penn de Mystic River y la mastodóntica y taquillera producción de Peter Jackson en la ceremonia de los Oscar. De alguna manera, el hecho de no haber ganado ningún premio grande salvo el mejor guion original, dotó a la película de un aroma de cine independiente muy reconfortante. Por ello, a propósito del aniversario de LIT, decidimos rendirle homenaje a la carrera de una de nuestras directores de cine favoritas: la melómana Sofia Coppola.

Las vírgenes suicidas (1999)
Por Elena Hita Piera

Un suburbio de Michigan en 1975, una madre católica y cinco hijas adolescentes en búsqueda de sus propios procesos identitarios constituyen, principalmente, los elementos que forman el debut fílmico de Sofia Coppola, Las vírgenes suicidas (1999), basado en la novela homónima del Premio Pulitzer Jeffrey Eugenides (1993). Narrada 25 años después por cuatro adolescentes fascinados por las hermanas Lisbon, cuenta las causas y consecuencias del misterioso suicido de estas bucólicas y enigmáticas chicas. Coppola consigue dibujarnos una frontera entre el “afuera” y el “dentro” en un trabajo que, 22 años después, sigue siendo una oda a la belleza. Plasmando la estética de la muerte, la película se mueve en una geografía de miedo, opresión y en una cartografía del deseo al que las protagonistas nunca podrán acceder. Ese interior, físico y psicológico que nos muestra, nos retiene en un espacio confinado y decadente, haciéndonos ver la fragilidad del sueño americano y su planteamiento del sentido trágico de la vida. En la que en su momento fue una nueva y atractiva manera de abordar la feminidad adolescente, el espacio imaginario consiguió alcanzar una nueva dimensión, haciéndonos ver que, como los chicos narradores, somos testigos mudos de la decadencia de la sociedad, demasiado compleja como para tratar de descifrarla. Las vírgenes suicidas, con la fotografía de Ed Lachman, han conseguido grabarse en nuestra retina como un halo angelical de luz, para no hacernos olvidar la mirada triste e inteligente de Kirsten Dunst. Obviamente, doctor, usted nunca fue una niña de 13 años.

BSO
Por Carla Cohen

Virgin Suicides, álbum del dúo francés de electropop AIR, sirve de banda sonora para la película homónima de la entonces debutante Sofia Coppola, quien buscó que la música encarnara la típica aura adolescente de los suburbios. Además de la partitura original escrita por AIR, las pistas de Todd Rundgren, Boston, Hart o The Hollies fueron decisivas para contextualizar el hastío precoz del Michigan de los setenta.

Lost in translation (2003)
Por Ricardo López Si

No vengo a descubrir nada. Se sabe que Lost in translation es una película de silencios, que se interpreta mejor a partir de lo que no se dice. Tampoco me interesa abonar sobre alguna teoría absurda sobre el susurro ininteligible de Bill Murray a Scarlett Johansson. ¿Fue un gesto paternal o un gesto romántico? A quién diablos le importa. Como dijo Serrat en uno de sus tropecientos conciertos a dúo con Joaquín Sabina: La leyenda no se cuenta, se intuye. Ahora bien, soy de los que sostiene que Lost in translation y Her son películas interconectadas, como personalísimas cartas de ruptura de Sofia Coppola y Spike Jonze. Sí, Coppola ha dicho en repetidas ocasiones que el personaje de Charlotte tiene menos tintes autobiográficos de lo que mucha gente piensa. Pero igual Samuel Beckett decía que su Godot, el que nunca llega, no era una alegoría de Dios. En fin, a Lost in translation siempre es bueno volver, ya sea sólo para descubrir qué tanto tiene de Spike Jonze el fotógrafo narcisista interpretado por Giovanni Ribisi. O por los largos planos contemplativos. O por esa estética indie-pop tan evocadora. O por la banda sonora escrupulosamente confeccionada por una melómana que hace cine como pasatiempo. Luego, si se sienten capaces de domar la melancolía, prueben con Her. Como nota adicional, que quede asentado que me siento orgulloso de haber renunciado con entusiasmo a recurrir al padre de Sofia para congraciarme con el conservadurismo cinéfilo. 

BSO
Por Carla Cohen

La música de esta película no es solo un acompañamiento de la acción, sino que juega un papel importante tanto como escenario como elemento narrativo. La pieza central de la relación entre los protagonistas, interpretados por Bill Murray y Scarlett Johansson, es la escena del bar de karaoke donde cantan Brass In Pocket, de The Pretenders, y More Than This, de Roxy Music. Coppola dijo alguna vez que la mayor parte de la banda sonora consistía en canciones que genuinamente formaban parte de su canon musical. Además, trabajó muy de cerca con Brian Reitzell, su productor musical de cabecera y baterista ocasional de AIR, para crear mezclas de Tokyo dream-pop, al tiempo que escribía el guion de la película.

Alone In Kyoto; Air.

The Beguiled (2017)
Por David Muñoz

Hace tiempo que la vi y recuerdo que me gustó. Me gustó más que el resto, sobre todo, me gustó más que The Bling Ring. Esa fue un poco rara. Pero lo bueno que tiene Sofia es su sello de autor. Al igual que toda su familia (su padre, Francis Ford Coppola; su primo, Nicolas Cage), tiene un poder para transmitir su personalidad en cada una de sus películas. Ya sea para bien o para mal, siempre encontramos destellos de genialidad (y, a veces, locura). Sí, La seducción fue un remake de El seductor, de Don Siegel, de acuerdo, está bien, no es original. ¿Y qué? Nicole Kidman, Kirsten Dunst y Elle Fanning se comen la pantalla. El guión, trabajado, y más si lo recita Colin Farrell, que cambió el cine cutre de acción por la oportunidad de encandilar a los espectadores con sus hipnóticas cejas pobladas. La seducción, qué gran película. Sencilla, ritmo lento y preciso y una fotografía de aúpa. Igual que un plato de Ferrán Adrià, se cocinó con amor y se trabajaron los detalles. El vestuario es importante, pero después de ver Marie Antoniette, no dudábamos de su capacidad para vestir a sus personajes de época. La única duda que había era si Nicole Kidman podría mover los músculos de su frente. No pudo. Todo estaba perfectamente calculado. La tensión se palpa en el ambiente desde el minuto uno y a los espectadores, morbosos por naturaleza, nos encanta que dicha tensión tome un rumbo oscuro. Oscuro y a la vez sutil, misterioso. Se acaba como una película tiene que acabar: unos créditos finales sobre un fondo negro.

BSO
Por Carla Cohen

En el universo cinematográfico de Coppola hay momentos en los que el espectador espera que las tomas de seguimiento largas estén interrumpidas por un grito primitivo o unos compases rapeados. En cambio: silencio. Nunca se antepone la música al diálogo. The Beguiled implementa esto a la inversa: en ausencia de música, los personajes hablan, mucho. La directora tiene con frecuencia canciones anacrónicas o fuera de lugar para crear un estado de ánimo, en lugar de una sensación de período o lugar; tanto es así, que se ha convertido en una especie de marca registrada. No es un asunto menor que la banda francesa Phoenix haya sida la encargada de componer la música original.

On The Rocks (2019)
Por Andrés Araujo

On The Rocks, el último proyecto de Sofía Coppola, es una película bastante oscura en el sentido más literal y menos metafórico del término. El argumento es simple: un matrimonio que parece resquebrajarse, aunque finalmente todo ocurre en la cabeza de un miembro de la pareja -en este caso Rashida Jones, azuzada también por el tiernísimo Bill Murray. En Cómo ser Bill Murray, una suerte de biografía escrita por Gavin Edwards, se cuenta que cuando Coppola ideó Lost in Translation no se propuso jamás que la película estuviese protagonizada por otra persona que no fuese Bill Murray -con todas las ventajas y desventajas que esto puede generar. Queda clarísimo que Sofia sigue creando personajes hechos a la medida para Murray, el cual continúa siendo hombre de confianza tanto de ella como de Wes Anderson. Coppola hace una película que no se pretende más de lo que es: un abrazo, quizá. Un abrazo de alguien a quien no ves hace mucho tiempo, lo cual en tiempos de pandemia resulta reconfortante. Murray actúa, podría decirse, de sí mismo -la escena donde consigue librarse de la policía casa con veintemil anécdotas billmurrayescas que pululan en el internet. Es bueno saber que aún existen proyectos que no planean cambiar el mundo, y no por ello guardan menos calidad que un lanzamiento pretencioso y malogrado. Rashida Jones está tal y como en el personaje de Ann Perkins, en Parks & Recreation, lo cual no es queja. De vez en cuando sirven este tipo de películas para ser medianamente feliz durante hora y media; después, a lo que sigue.

BSO
Por Carla Cohen

La banda sonora es ecléctica pero agradable. Synth-pop instrumental y algo de jazz y música clásica. Los Jazzmen de los cincuenta (Chet Baker, Bill Evans, Thelonious Monk) son la juventud del padre de Felix, mientras que los sintetizadores de los ochenta son nuestra pareja casada, que ya tiene unos 30 años. En los primeros minutos de la película suena Chet Baker, lo que inmediatamente crea una atmósfera que te atrapa. Sofia la concibió desde un inicio como el mundo de Bill Murray. No hay que perder de vista que la película es una declaración de amor hacia Nueva York, lo confirma Michael Nyman.

 

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